Musique

Dimanche 27 septembre, 18h00

Entre pièces solos, duos complices et envolées improvisées, les artistes explorent les sonorités sud-américaines et serbes. Un voyage à deux guitares vivant, rythmé et chaleureux, à la croisée du classique et des musiques traditionnelles. Tizoc Romero et Wiliam Marcil Bouchard proposent un concert à deux guitares qui invite à un voyage à travers différentes cultures, traditions et univers musicaux. Le programme réunit des œuvres d’inspiration sud-américaine et serbe, des musiques aux rythmes marqués ainsi que des moments d’improvisation, mettant en valeur toute la richesse et la diversité de la guitare. Alternant pièces en solo et interprétations en duo, les deux musiciens explorent un large éventail de couleurs et de sonorités, passant de la finesse du répertoire classique à l’énergie des musiques traditionnelles et populaires. Le dialogue entre leurs deux instruments laisse également une place importante à la spontanéité et à l’improvisation. Un concert vivant et éclectique, où tradition et liberté musicale se rencontrent pour offrir au public une expérience chaleureuse, rythmée et pleine de découvertes. Dès son plus jeune âge, William Marcil-Bouchard se passionne pour la guitare, inspiré par son oncle et les rythmes de la samba brésilienne. Né à Montréal, il poursuit aujourd’hui ses études de concert à l’Université de Musique et des Arts du Spectacle de Vienne (MDW), après avoir étudié auprès du grand guitariste Alvaro Pierri. Grâce à ses concerts au Canada et en Europe, il développe une riche ouverture musicale entre musique classique, jazz, improvisation et composition. Lauréat de plusieurs distinctions, il a notamment remporté deux fois le 2e prix du National Canadian Music Competition et est boursier de la fondation Yehudi Menuhin « Live Music Now ». Tizoc Romero commence la musique dès l’âge de six ans à Paris, initié par son père mexicain aux traditions du mariachi avant de se consacrer à la guitare classique. Formé entre Paris, Montréal et Vienne auprès du maître Alvaro Pierri, il est diplômé avec les plus hautes distinctions de l’Université de Musique et des Arts du Spectacle de Vienne (MDW). Concertiste et pédagogue, il se produit en Europe, en Inde et au Mexique, aussi bien en solo qu’avec le duo R2T2. Lauréat de plusieurs concours internationaux et récipiendaire de la prestigieuse bourse Anny Felbermayer, il poursuit aujourd’hui sa carrière artistique et son activité d’enseignement à Vienne.

Vendredi 20 novembre, 22h30

*22h30* **JASS Session**, le rendez-vous Jam Jazz des vendredis soirs ! *Point de rencontre essentiel entre artistes émergents et confirmés, la jam session est un moment de partage où naissent les groupes de demain. Une émulsion artistique à vivre dans la salle ou sur scène !* *// Piano à queue, contrebasse & batterie sur place* PRÉVENTES LIMITÉES **& VENTE SUR PLACE** Musicien·nes — Entrée libre

Samedi 26 septembre, 20h30

Ikram Khan Maître du sarangi, Ikram Khan est un joyau de Jaipur, au Rajasthan. Héritier de la noble lignée Shikar Gharana, il a reçu l’initiation sacrée des doigts de son père, l’illustre Ustad Nizammuddin Khan. En 1989, il se place sous l’aile protectrice d’un géant : Ustad Sultan Khan, dont le nom résonne comme une légende mondiale du sarangi. Aujourd’hui, ses cordes chantent aux côtés des plus grands maîtres de l’Inde, tandis que ses solos, portés par le vent, ont conquis l’Amérique et l’Europe. Ishrat Kalavant Voix envoûtante, Ishrat Kalavant puise dans les profondeurs de la musique classique indienne et dans l’âme mystique du soufisme. Son art, nourri par l’héritage millénaire de l’Inde, tisse une mélodie unique : la rigueur classique y danse avec la ferveur spirituelle, pour toucher l’âme et élever le cœur. Les chants soufis sont une expression profonde et envoûtante de la spiritualité islamique, où la musique devient un pont entre l’âme humaine et le divin. Farhan Khalwa est un chanteur, percussionniste et joueur de tabla talentueux qui se produit sur scène pour des concerts, des reprises et des créations originales.

Jeudi 3 décembre, 14h30

Ce concert photographique propose une immersion dans l’âge d’or de Broadway, berceau mythique du jazz et de la comédie musicale, tout en offrant des échappées vers d’autres grandes villes emblématiques de ce bouillonnement artistique : de l’énergie hollywoodienne de Los Angeles à l’effervescence urbaine de Chicago, en passant par le charme du West End londonien. Au fil du concert, Anaëlle Trumka et Yannick Jacquet retraceront, en musique et en images, les rencontres au sommet des plus grands artistes sur les scènes new-yorkaises (Billie Holiday, Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Nat King Cole, Django Reinhardt...), les odes au rêve californien, les fameux cabarets de Chicago, ou les classiques du Musical, tels que Singing in the Rain, My Fair Lady, ou Le Magicien d’Oz.

Samedi 31 octobre, 19h30, 21h30

*19h30 & 21h30* Inspirée par Fela Kuti et Tony Allen, cette soirée propose une relecture de l’Afrobeat à travers le jazz. Nicolas Giraud, qui a joué aux côtés de Tony Allen, a trouvé auprès de lui un véritable mentor, qui lui a transmis sa vision du rythme, du tempo et du groove. Il poursuit ici ce dialogue entre Afrobeat et jazz, autour de la mélodie et de l’improvisation. Tous deux issus du jazz, les fondateurs de l’Afrobeat l’ont mêlé aux rythmes yoruba et aux percussions africaines pour créer une musique devenue incontournable. Une approche que l’on retrouve dans les derniers projets instrumentaux de Tony Allen, notamment Rejoice, The Source ou A Tribute to Art Blakey, où l’Afrobeat rencontre librement le jazz. **Léa Cielchelski** / saxophones, flûte **Thibault Merle** / clarinette basse, flûte **Alexandre Millet** / piano, claviers **Yann-Lou Bertrand** / basse **Nicolas Giraud** / batterie

Vendredi 9 octobre, 20h30

ABAJI crée des mélodies spirituelles et improvisées qui forment une méditation musicale comme une marche dans des déserts imaginaires. Multi-instrumentiste, il voyage avec son public au gré de ses instruments, dont certains de son invention : Le rubabi, une invention inspirée du rubab afghan, le sax duduk, un ancien duduk arménien transformé en un mélange unique de saxophone et duduk, le kémané grec (violon qui se joue comme une viole de gambe), l'oud-guitare baryton, hybride de guitare baryton et de luth oriental, des percussions du monde et une voix ! Né au Liban, d’origine arméno-gréco-turco-syro-libanaise, ABAJI vit en France et a parcouru le monde de la Chine au Chili, de l’Afrique du Sud à la Norvège en passant par l’Ukraine et l’Australie ! Compositeur de musiques de films et de documentaires, chaque rencontre avec un instrument lui donne des idées de mondes sonores et d’atmosphères musicales ! Venez découvrir une musique qui crée des ponts entre l’Orient et l’Occident. Un voyage du corps et de l’esprit !

Dimanche 11 octobre, 18h00

Les Cordes de l’Âme est une traversée musicale aux confins de l’Albanie et de la mémoire ottomane des Balkans. À travers un répertoire traditionnel issu de la fin de l’Empire ottoman, le trio redonne souffle à des chants anciens où se rencontrent la poésie populaire, la ferveur mystique et les voix oubliées d’un Orient balkanique aujourd’hui disparu. Porté par le chant, les cordes anciennes et les percussions, cet ensemble explore un univers musical profondément enraciné dans les traditions albanaises, ottomanes et soufies. Ces musiques, transmises de génération en génération, portent en elles la mémoire des villes caravanières, des cafés des Balkans, des confréries spirituelles et des fêtes populaires où le sacré et le profane se rejoignaient dans une même intensité intérieure. Les rythmes asymétriques à sept ou neuf temps, caractéristiques des musiques balkaniques, ouvrent un espace singulier de mouvement et de vertige. Loin de la régularité occidentale, ces pulsations irrégulières créent une sensation d’élan continu, de danse intérieure, presque de transe. Les textes chantés, souvent inspirés de la tradition soufie et des poésies populaires albanaises, évoquent l’amour humain comme miroir de l’amour divin, l’exil, la séparation, le voyage intérieur et la quête de l’Invisible. Enris Qinamî est né quelque part entre les montagnes d’Albanie et les rives de la Méditerranée. Musicien, parfumeur, poète et voyageur, il marche sur ce fil ténu où la musique devient invocation. Depuis plus de vingt ans, il est en lien étroit avec les chants et cette nostalgie sacrée venue de l'Albanie. Dans ses mains repose le luth sharki, instrument qui a traversé l'histoire, venu d’Asie centrale,, porté par les vents de l’Empire ottoman jusqu’aux seuils des Balkans. Gilles Andrieux est compositeur, arrangeur et musicien polyinstrumentiste. Dès 1975, il commence l'apprentissage du saz sous la direction de Talip Ozkan et étudie la musique des confréries soufies d'Istanbul auprès de Kudsi Erguner. Il se produit dans le monde entier et à partir de ses instruments il crée des musiques pour le théâtre ou la danse et écrit aussi des chansons pour différents interprètes. Christophe Souron a suivi des études de batterie au CMCN puis s'est spécialisé dans la pratique des percussions orientales : le daf, le zarb et le riq. Depuis plus de 30 ans, il joue régulièrement dans plusieurs ensembles et projets de musiques du monde allant de la création contemporaine aux musiques de scène.

Mercredi 14 octobre, 15h15

Sur la petite table basse s’alignent boites et paniers… Accompagnée de la flûte à bec, la conteuse Sonia Koskas fait sortir les histoires sous la forme de marionnettes et de petits jouets qui, tout en accompagnant le récit, comme celui de « la toute petite bonne femme », aident l’imaginaire du petit.

Jeudi 1 octobre, 20h15

Fest fiction politique - Bangui. Robert a 17 ans et rêve de faire carrière dans la musique. Mais il n'est pas un Centrafricain comme les autres. Il est un réfugié congolais. Lorsque ses parents son...

Vendredi 2 octobre, 20h30

Grâce à la dimension improvisée de la musique classique indienne, Hindol Deb exprime le meilleur de sa virtuosité. Sa connaissance des ragas et des rythmes lui permet de tisser une toile d'émotions complexes pour ensorceler son public, et l'emmener en un voyage extatique, tandis qu'il déploie les différents mouvements de sa performance. Optant souvent pour les ragas et l'improvisation, il prend tous les risques pour conserver l'essence de la musique classique indienne, qui est d'être une part active de la création et du créé. La musique classique indienne est une tradition antique comportant plusieurs structures mélodiques et schémas identifiables (les interprétations les plus fidèles étant les modi), générant des émotions spécifiques suivant la combinaison des notes. Une des caractéristiques de la musique indienne est l'utilisation pleine des microintervalles entre les notes pour former une continuité sonore. Cet élément unique associé à des techniques de composition improvisées permet une expérience immersive pour l'auditeur. Hindol Doeb est un sitariste et compositeur de premier plan basé à Cologne en Allemagne, spécialisé dans la musique classique indienne et les collaborations transculturelles. Formé dans la tradition classique hindoustani, il mélange racines classiques et exploration contemporaine à travers le jazz, les musiques du monde et des projets interculturels. Il donne des concerts de musique indienne et participe également à des ensembles de jazz, de musique du monde et des orchestres symphoniques. Shankh Lahiri est un joueur de tabla reconnu, professeur de musique indienne et de musiques du monde. Héritier d'une riche lignée musicale qui lui a été transmise par son père Rabindranath Lahiri, puis par des maîtres renommés, il a accompagné plusieurs musiciens classiques indiens de premier plan.

Mercredi 2 décembre, 14h00

Concert photographique proposé aux étudiants et personnels du Campus Picpus pour fêter le Bicentenaire de la Photographie et dans le cadre de "Santé vous bien". Ce programme est pensé comme un hommage au Paris de la première moitié du XXe siècle, à travers ses boulevards et avenues, ses fêtes, ses ateliers d’artistes, ses ponts et moulins, ses terrasses, mais aussi la crue de 1910. Une sélection des photos sera projetée en parallèle à un répertoire de chansons, qui créeront une résonance entre texte, musique et image. D’Edith Piaf à Vanessa Paradis, en passant par Charles Aznavour, France Gall et Claude Nougaro, la ville de Paris n’aura cessé d’inspirer l’univers de la chanson française, qui sera ici parcouru sur un siècle entier.

Vendredi 2 octobre, 17h15

Fest fiction politique - Deux jeunes filles vivent à Paris en 1962. Pauline (17 ans), étudiante, rêve de quitter sa famille pour devenir chanteuse. Suzanne (22 ans) s'occupe de ses deux enfants et...

Dimanche 4 octobre, 18h00

Par la rencontre des tablas et des flûtes doubles alghozas, le duo Yaadhava (« souviens-toi du vent ») rend hommage aux musiciens Langas et Manganiars du Rajasthan. Ce répertoire est le point de départ pour exprimer une musique envoutante et joyeuse, à la fois dynamique et contemplative. Une musique des bergers du Thar, un blues du désert porté par la puissance expressive des flûtes doubles et l’énergie hypnotique des tablas. Teepu Khan et Thomas Quinart explorent ce registre avec modernité dans une transe douce et pleine de vitalité. Teepu Khan (tablas) Originaire de Jaipur au Rajasthan, Teepu Khan est issu d’une prestigieuse lignée de musiciens, dont l’excellence se transmet dès le plus jeune âge: « mon arrière-grand-père était le maître de musique du Maharaja de Jaipur ». Maîtrisant le répertoire classique, soufi et traditionnel du nord de l’Inde et particulièrement l’art des tablas, Teepu s’est enrichi d’une expérience de la scène à l’international qu’il débute à l’âge de 15 ans. Il diffuse aujourd’hui sa culture par la fusion de son art avec d’autres styles (flamenco, rock, reggae et même l’opéra) lui offrant une belle collaboration avec Mathieu Chédid ou encore une invitation à jouer chez Mick Jagger! Thomas Quinart (flûtes alghozas et sataras) Musicien polyinstrumentiste, il se forme au conservatoire du Havre puis à l’école Jazz à Tours auprès de Jean Aussanaire, Pierrick Menuau ou Sébastien Boisseau. Il collabore avec le metteur en scène Johanny Bert sur plusieurs spectacles en tant que compositeur et interprète au plateau. Thomas Quinart participe à l’aventure Ez3kiel Extended en tournée, collabore avec Capsul Collectif notamment avec le groupe Air Brigitte. Il est membre de la Compagnie du Coin depuis 1999 avec qui il réalise de nombreuses tournées en France et à l’étranger. Il compose la musique de Sale Bête de la Cie Traversant 3.

Samedi 7 novembre, 22h30

*22h30* Le rendez-vous Jam Session Groove & Jazz du samedi soir avec le collectif La Gélule ! [La Gélule Jazz Collectif]( https://www.instagram.com/la\_gelule/ ) **« Because Music IS Medicine »** Pour La Gélule, la musique est un remède, un langage universel et un espace de rencontre. C'est autour de cette philosophie que le collectif s'est officiellement créé en 2022. Acteur culturel de la scène parisienne et toulousaine, il est également à l'initiative du ‘Jazz-Club’ et des jam sessions du festival Jazz In Marciac depuis 2017. ——— *Point de rencontre essentiel entre artistes émergents et confirmés, la jam session est un moment de partage où naissent les groupes de demain. Une émulsion artistique à vivre dans la salle ou sur scène !* *// Piano à queue, contrebasse & batterie sur place* PRÉVENTES LIMITÉES **& VENTE SUR PLACE** Musicien·nes — Entrée libre

Vendredi 30 octobre, 22h30

*22h30* **JASS Session**, le rendez-vous Jam Jazz des vendredis soirs ! *Point de rencontre essentiel entre artistes émergents et confirmés, la jam session est un moment de partage où naissent les groupes de demain. Une émulsion artistique à vivre dans la salle ou sur scène !* *// Piano à queue, contrebasse & batterie sur place* PRÉVENTES LIMITÉES **& VENTE SUR PLACE** Musicien·nes — Entrée libre

6 et 7 novembre

Un gardien de phare découvre le journal de bord d'une navigatrice solitaire. Après en avoir lu les dernières pages, aussi mystérieuses que désespérées, il décide de partir à la recherche de son navire en perdition. C'est pour lui le début d'un voyage extraordinaire qui le mènera dans des contrées insoupçonnées… Sur le grand écran d'un théâtre d’ombres, cette histoire prend la forme d’un conte orchestré par trois marionnettistes et trois musiciens. Les spectateurs sont embarqués à la découverte d’un univers fabuleux les invitant à ouvrir les portes de l'imaginaire.

Samedi 3 octobre, 20h30

« Dans le prolongement » est un concert né de la rencontre entre poésie contemporaine persane et musique iranienne. À travers des tasnifs et compositions inspirés d’œuvres majeures de la musique contemporaine iranienne, notamment celles de Parviz Meshkatian, Hossein Alizadeh et Hamid Motebassem, le spectacle dessine un espace sensible entre mémoire, poésie et musique. Sans chercher à reproduire fidèlement les formes traditionnelles, le concert ouvre un dialogue entre héritage musical et regard contemporain. Les poèmes, les silences, les improvisations et les textures sonores composent un paysage traversé par la mémoire, la résistance et la transformation. Une partie du programme est également consacrée à une musique régionale iranienne, en résonance avec les émotions et les réalités de l’Iran d’aujourd’hui, entre fragilité intime et souffle collectif. Porté par des musiciens issus de parcours artistiques variés, « Dans le prolongement » cherche moins à représenter une tradition figée qu’à faire entendre une voix vivante, en mouvement, entre transmission et création.

Mercredi 14 octobre, 14h00

Avec Sonia Koskas, les contes des frères Grimm retrouvent toute leur force : des histoires merveilleuses, parfois inquiétantes, souvent drôles, où les personnages doivent ruser, affronter l’épreuve et trouver leur propre chemin. Dans Les Sept Corbeaux et autres contes de Grimm, la conteuse puise dans l’immense répertoire des frères Grimm pour composer un programme destiné aux enfants à partir de 6 ans. Les histoires peuvent varier d’une représentation à l’autre : car derrière les grands classiques se cache un patrimoine de plus de deux cents contes, dont certains sont beaucoup moins connus. La voix de Sonia Koskas fait vivre ces récits avec simplicité, humour et émotion. Sans artifices inutiles, le conte se construit dans la relation directe avec le public : une voix, des personnages, des images et l’imaginaire de chacun.

Samedi 23 janvier 2027, 10h30, 11h30

Chèvre, loup, grenouille, oiseau, renard, ours, tigre... Autant d’animaux que l’on retrouvera dans ce spectacle ! En faisant preuve de malice, d’ingéniosité et de détermination, ils nous montrent comment le plus fort n’est pas toujours celui qui gagne, ou encore que l’entraide est précieuse… Contes d’Europe occidentale, de Palestine, de Turquie, de Tunisie et du Viet Nam, accompagnés à la voix et à la flûte traversière.

Samedi 3 octobre, 19h30, 21h30

*19h30 & 21h30* Il y a des soirées qui commencent par un concert et finissent comme une fête. La TANA JAZZ NIGHT en fait partie. Les TANA ? Ce sont quatre musiciennes incontournables de la scène jazz parisienne: la vocaliste Elise Vassallucci, la contrebassiste Louise Knobil, la pianiste Sarah Kay et la batteuse Véra Campos Krasutskaya. Pour cette première soirée, elles invitent la chanteuse, autrice et compositrice Flore Benguigui pour présenter un femmage à la compositrice et icône Cécile McLorin Salvant. Une soirée pour célébrer l’imaginaire foisonnant d’une des voix les plus singulières et fascinantes du jazz contemporain. Entre humour, émotions, standards de jazz, textes féministes, les TANA célèbrent une artiste qui met en lumière les figures invisibilisées, souvent féminines, délaissées par l’histoire musicale. Les TANA poursuivent la soirée avec une jam session sous le signe de la fête. Des paillettes, de la musique, pour et par toustes. La jam s'ouvre d'abord en mixité choisie, puis la fête prend le dessus, celle qui n'appartient à personne en particulier et à tout le monde à la fois. **Elise Vassallucci** / voix **Sarah Kay** / piano **Louise Knobil** / contrebasse **Véra Campos Krasutskaya** / batterie Guest - **Flore Benguigui** / voix