Musique

Dimanche 27 septembre, 18h00

Entre pièces solos, duos complices et envolées improvisées, les artistes explorent les sonorités sud-américaines et serbes. Un voyage à deux guitares vivant, rythmé et chaleureux, à la croisée du classique et des musiques traditionnelles. Tizoc Romero et Wiliam Marcil Bouchard proposent un concert à deux guitares qui invite à un voyage à travers différentes cultures, traditions et univers musicaux. Le programme réunit des œuvres d’inspiration sud-américaine et serbe, des musiques aux rythmes marqués ainsi que des moments d’improvisation, mettant en valeur toute la richesse et la diversité de la guitare. Alternant pièces en solo et interprétations en duo, les deux musiciens explorent un large éventail de couleurs et de sonorités, passant de la finesse du répertoire classique à l’énergie des musiques traditionnelles et populaires. Le dialogue entre leurs deux instruments laisse également une place importante à la spontanéité et à l’improvisation. Un concert vivant et éclectique, où tradition et liberté musicale se rencontrent pour offrir au public une expérience chaleureuse, rythmée et pleine de découvertes. Dès son plus jeune âge, William Marcil-Bouchard se passionne pour la guitare, inspiré par son oncle et les rythmes de la samba brésilienne. Né à Montréal, il poursuit aujourd’hui ses études de concert à l’Université de Musique et des Arts du Spectacle de Vienne (MDW), après avoir étudié auprès du grand guitariste Alvaro Pierri. Grâce à ses concerts au Canada et en Europe, il développe une riche ouverture musicale entre musique classique, jazz, improvisation et composition. Lauréat de plusieurs distinctions, il a notamment remporté deux fois le 2e prix du National Canadian Music Competition et est boursier de la fondation Yehudi Menuhin « Live Music Now ». Tizoc Romero commence la musique dès l’âge de six ans à Paris, initié par son père mexicain aux traditions du mariachi avant de se consacrer à la guitare classique. Formé entre Paris, Montréal et Vienne auprès du maître Alvaro Pierri, il est diplômé avec les plus hautes distinctions de l’Université de Musique et des Arts du Spectacle de Vienne (MDW). Concertiste et pédagogue, il se produit en Europe, en Inde et au Mexique, aussi bien en solo qu’avec le duo R2T2. Lauréat de plusieurs concours internationaux et récipiendaire de la prestigieuse bourse Anny Felbermayer, il poursuit aujourd’hui sa carrière artistique et son activité d’enseignement à Vienne.

Vendredi 13 novembre, 14h00

Ce concert photographique propose une immersion dans l’âge d’or de Broadway, berceau mythique du jazz et de la comédie musicale, tout en offrant des échappées vers d’autres grandes villes emblématiques de ce bouillonnement artistique : de l’énergie hollywodienne de Los Angeles à l’effervescence urbaine de Chicago, en passant par le charme du West End londonien. Au fil du concert, Anaëlle Trumka et Yannick Jacquet retraceront, en musique et en images, les rencontres au sommet des plus grands artistes sur les scènes new-yorkaises (Billie Holiday, Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Nat King Cole, Django Reinhardt...), les odes au rêve californien, les fameux cabarets de Chicago, ou les classiques du Musical, tels que Singing in the Rain, My Fair Lady, ou Le Magicien d’Oz.

Vendredi 20 novembre, 22h30

*22h30* **JASS Session**, le rendez-vous Jam Jazz des vendredis soirs ! *Point de rencontre essentiel entre artistes émergents et confirmés, la jam session est un moment de partage où naissent les groupes de demain. Une émulsion artistique à vivre dans la salle ou sur scène !* *// Piano à queue, contrebasse & batterie sur place* PRÉVENTES LIMITÉES **& VENTE SUR PLACE** Musicien·nes — Entrée libre

Samedi 27 février 2027, 20h30

Chef d’œuvre captivant, Le Conte d’hiver juxtapose et entremêle de façon prodigieuse la tragédie la plus sombre et la comédie joyeuse. Le roi Léonte, après avoir remarqué des signes d’affection entre sa femme et son meilleur ami, soupçonne ce dernier d’être le père de son deuxième enfant. Sa jalousie change sa perception du monde, provoque une descente aux enfers pour tout le royaume. Heureusement, le théâtre étant le lieu de tous les possibles, la tragédie va se muer en une délirante comédie. Une mise en scène majestueuse, servie par une troupe d’acteurs, chanteurs, musiciens exceptionnels de générosité et de talent, s’empare de cette œuvre fascinante. Tourbillon romanesque où l’émotion tragique est aussi intense que le rire est joyeux, la musique y est fête, mais aussi mystère et magie.

Samedi 31 octobre, 19h30, 21h30

*19h30 & 21h30* Inspirée par Fela Kuti et Tony Allen, cette soirée propose une relecture de l’Afrobeat à travers le jazz. Nicolas Giraud, qui a joué aux côtés de Tony Allen, a trouvé auprès de lui un véritable mentor, qui lui a transmis sa vision du rythme, du tempo et du groove. Il poursuit ici ce dialogue entre Afrobeat et jazz, autour de la mélodie et de l’improvisation. Tous deux issus du jazz, les fondateurs de l’Afrobeat l’ont mêlé aux rythmes yoruba et aux percussions africaines pour créer une musique devenue incontournable. Une approche que l’on retrouve dans les derniers projets instrumentaux de Tony Allen, notamment Rejoice, The Source ou A Tribute to Art Blakey, où l’Afrobeat rencontre librement le jazz. **Léa Cielchelski** / saxophones, flûte **Thibault Merle** / clarinette basse, flûte **Alexandre Millet** / piano, claviers **Yann-Lou Bertrand** / basse **Nicolas Giraud** / batterie

Vendredi 12 mars 2027, 20h30

Révélé au grand public lors de l'Eurovision 2024 avec le titre Jako, le groupe emmené par la charismatique Jaklin Baghdasaryan et le multi-instrumentiste Louis Thomas s'est imposé comme l'une des formations les plus enthousiasmantes de la scène actuelle. De festivals internationaux en salles de concert, Ladaniva séduit par son énergie communicative et son irrésistible sens de la fête. Puisant dans les traditions arméniennes, balkaniques, africaines ou créoles, le groupe invente une musique libre, métissée et résolument contemporaine. Portées par des rythmes dansants, des mélodies lumineuses et une virtuosité joyeuse, leurs chansons invitent autant à l'évasion qu'au partage. Avec son nouveau répertoire, Ladaniva promet une soirée vibrante et généreuse où l'on passe sans effort de l'émotion à la danse. Une invitation à découvrir un groupe devenu incontournable sur les scènes européennes et à partager un moment de célébration musicale aussi festif que jubilatoire.

Jeudi 13 mai 2027, 20h30

Après plusieurs saisons marquées par le développement d'une scène rock locale particulièrement dynamique, le Théâtre Rutebeuf invite l'un des groupes les plus enthousiasmants du rock français actuel. Porté par la voix magnétique de Maëva Nicolas et les guitares incisives d'Hugo Herleman, Bandit Bandit cultive un rock à la fois fougueux et mélodique, où l'urgence des riffs côtoie des moments de grâce plus intimistes. Sur scène, le groupe déploie une énergie communicative qui ne laisse personne indifférent. Avec Cavalcades – Ce que la nuit ne dit pas, Bandit Bandit poursuit son exploration d'une musique viscérale, traversée par les émotions, les contradictions et les élans de liberté. Entre rock incandescent et éclats pop, leurs chansons dessinent des paysages sonores aussi puissants que sensibles. Pour cette soirée, les murs de l'auditorium du Conservatoire Léo Delibes pourraient bien sembler un peu étroits. Un concert électrique, intense et généreux, à vivre debout ou presque. Une invitation à faire vibrer le printemps au rythme des guitares.

Dimanche 22 novembre, 15h00

Depuis plusieurs décennies, le Concert de la Sainte-Cécile est l'un des grands rendez-vous musicaux de la vie clichoise. Cette tradition profondément ancrée dans l'histoire culturelle de la ville réunit chaque année artistes, habitants et amoureux de musique dans un moment de partage et de convivialité. Accueilli dans le cadre majestueux de l'église Saint-Vincent-de-Paul, ce concert met à l'honneur les ensembles qui font vivre la pratique musicale amateur à Clichy tout au long de l'année. L'Ensemble Vocal des Hauts-de-Seine, l'Orchestre d'Harmonie de Clichy et l'Orchestre Symphonique de Clichy unissent leurs talents pour proposer un programme riche et fédérateur. Derrière ce rendez-vous devenu incontournable se dessine une histoire commune entre des générations de musiciens, un public fidèle et une ville qui soutient depuis toujours la pratique artistique amateur. Plus qu'un concert, la Sainte-Cécile est une célébration de l'engagement, de la transmission et du plaisir de faire de la musique ensemble.

Jeudi 22 octobre, 19h00

Cette soirée réunira deux anniversaires symboliques: les 215 ans de la naissance de Ferenc Liszt, né le 22 octobre 1811, et le 70ᵉ anniversaire de la Révolution hongroise de 1956. À cette occasion, Soma Balázs-Piri, jeune talent de la nouvelle génération de pianistes hongrois, rendra hommage, à travers la musique de Liszt, aux héros de la Révolution de 1956 et à celles et ceux qui se sont battus pour la liberté et l’indépendance de la Hongrie. Ce récital s’inscrit dans le projet « Budapest-Paris Z Connection » de l’Institut Liszt, qui met à l’honneur les jeunes talents de la scène artistique hongroise auprès du public français. SOMA BALÁZS-PIRI Âgé de 20 ans, Soma Balázs-Piri s’est assis pour la première fois devant un piano il y a onze ans. Depuis, il a remporté seize premiers prix dans des concours nationaux et internationaux de piano. En 2018, il a remporté le concours télévisé hongrois de musique classique Virtuózok. Soma est Ambassadeur de la musique classique de Hongrie et a reçu le Prix Junior Prima en 2021. En 2025, il a également été distingué par le Prix de la Culture de Szeged. Il s’est produit pour la première fois en tant que soliste à l’âge de neuf ans avec l’Orchestre symphonique de Szeged. Depuis, il a eu l’occasion de collaborer à de nombreuses reprises avec des orchestres hongrois et internationaux. Il a notamment été dirigé par des chefs renommés tels que Maestro Plácido Domingo, Ádám Medveczky, Gábor Hollerung, Eugene Kohn, Howard Shelley, András Keller ainsi que Yoon Kuk Lee, directeur artistique du Festival Saint-Gellért. Régulièrement invité dans les grandes salles de concert hongroises, il s’est produit notamment au Palais des Arts de Budapest (Müpa), au Pesti Vigadó et dans la Grande Salle de l’Académie de musique Ferenc Liszt, ainsi qu’au Dôme de Szeged dans le cadre du Festival Saint-Gellért. Il s’est également produit à l’étranger, notamment à New York, à Londres en tant que soliste avec le prestigieux London Mozart Players, ainsi qu’à l’O2 Arena aux côtés de Hauser, à Doha, Strasbourg, Dubaï sur la scène principale de l’EXPO, Washington, Forte dei Marmi dans la villa d’Andrea Bocelli, Düsseldorf, Singapour, Zagreb, et à Leipzig dans le cadre de l’émission télévisée caritative Live Show with José Carreras. En 2020, il a enregistré le Concerto pour piano en la mineur de Grieg avec l’Orchestre de l’Opéra d’État hongrois, sous la direction de Plácido Domingo. En 2023, le magazine Forbes lui a consacré une grande interview. Il est actuellement étudiant en deuxième année à l’Université de musique Mozarteum de Salzbourg, où il étudie auprès de la pianiste canadienne de renom Connie Shih. Ses professeurs soulignent unanimement que sa plus grande force réside dans sa musicalité exceptionnelle, associée à une personnalité humble et naturelle.

Vendredi 9 octobre, 20h30

ABAJI crée des mélodies spirituelles et improvisées qui forment une méditation musicale comme une marche dans des déserts imaginaires. Multi-instrumentiste, il voyage avec son public au gré de ses instruments, dont certains de son invention : Le rubabi, une invention inspirée du rubab afghan, le sax duduk, un ancien duduk arménien transformé en un mélange unique de saxophone et duduk, le kémané grec (violon qui se joue comme une viole de gambe), l'oud-guitare baryton, hybride de guitare baryton et de luth oriental, des percussions du monde et une voix ! Né au Liban, d’origine arméno-gréco-turco-syro-libanaise, ABAJI vit en France et a parcouru le monde de la Chine au Chili, de l’Afrique du Sud à la Norvège en passant par l’Ukraine et l’Australie ! Compositeur de musiques de films et de documentaires, chaque rencontre avec un instrument lui donne des idées de mondes sonores et d’atmosphères musicales ! Venez découvrir une musique qui crée des ponts entre l’Orient et l’Occident. Un voyage du corps et de l’esprit !

Dimanche 11 octobre, 18h00

Les Cordes de l’Âme est une traversée musicale aux confins de l’Albanie et de la mémoire ottomane des Balkans. À travers un répertoire traditionnel issu de la fin de l’Empire ottoman, le trio redonne souffle à des chants anciens où se rencontrent la poésie populaire, la ferveur mystique et les voix oubliées d’un Orient balkanique aujourd’hui disparu. Porté par le chant, les cordes anciennes et les percussions, cet ensemble explore un univers musical profondément enraciné dans les traditions albanaises, ottomanes et soufies. Ces musiques, transmises de génération en génération, portent en elles la mémoire des villes caravanières, des cafés des Balkans, des confréries spirituelles et des fêtes populaires où le sacré et le profane se rejoignaient dans une même intensité intérieure. Les rythmes asymétriques à sept ou neuf temps, caractéristiques des musiques balkaniques, ouvrent un espace singulier de mouvement et de vertige. Loin de la régularité occidentale, ces pulsations irrégulières créent une sensation d’élan continu, de danse intérieure, presque de transe. Les textes chantés, souvent inspirés de la tradition soufie et des poésies populaires albanaises, évoquent l’amour humain comme miroir de l’amour divin, l’exil, la séparation, le voyage intérieur et la quête de l’Invisible. Enris Qinamî est né quelque part entre les montagnes d’Albanie et les rives de la Méditerranée. Musicien, parfumeur, poète et voyageur, il marche sur ce fil ténu où la musique devient invocation. Depuis plus de vingt ans, il est en lien étroit avec les chants et cette nostalgie sacrée venue de l'Albanie. Dans ses mains repose le luth sharki, instrument qui a traversé l'histoire, venu d’Asie centrale,, porté par les vents de l’Empire ottoman jusqu’aux seuils des Balkans. Gilles Andrieux est compositeur, arrangeur et musicien polyinstrumentiste. Dès 1975, il commence l'apprentissage du saz sous la direction de Talip Ozkan et étudie la musique des confréries soufies d'Istanbul auprès de Kudsi Erguner. Il se produit dans le monde entier et à partir de ses instruments il crée des musiques pour le théâtre ou la danse et écrit aussi des chansons pour différents interprètes. Christophe Souron a suivi des études de batterie au CMCN puis s'est spécialisé dans la pratique des percussions orientales : le daf, le zarb et le riq. Depuis plus de 30 ans, il joue régulièrement dans plusieurs ensembles et projets de musiques du monde allant de la création contemporaine aux musiques de scène.

Vendredi 2 octobre, 20h30

Grâce à la dimension improvisée de la musique classique indienne, Hindol Deb exprime le meilleur de sa virtuosité. Sa connaissance des ragas et des rythmes lui permet de tisser une toile d'émotions complexes pour ensorceler son public, et l'emmener en un voyage extatique, tandis qu'il déploie les différents mouvements de sa performance. Optant souvent pour les ragas et l'improvisation, il prend tous les risques pour conserver l'essence de la musique classique indienne, qui est d'être une part active de la création et du créé. La musique classique indienne est une tradition antique comportant plusieurs structures mélodiques et schémas identifiables (les interprétations les plus fidèles étant les modi), générant des émotions spécifiques suivant la combinaison des notes. Une des caractéristiques de la musique indienne est l'utilisation pleine des microintervalles entre les notes pour former une continuité sonore. Cet élément unique associé à des techniques de composition improvisées permet une expérience immersive pour l'auditeur. Hindol Doeb est un sitariste et compositeur de premier plan basé à Cologne en Allemagne, spécialisé dans la musique classique indienne et les collaborations transculturelles. Formé dans la tradition classique hindoustani, il mélange racines classiques et exploration contemporaine à travers le jazz, les musiques du monde et des projets interculturels. Il donne des concerts de musique indienne et participe également à des ensembles de jazz, de musique du monde et des orchestres symphoniques. Shankh Lahiri est un joueur de tabla reconnu, professeur de musique indienne et de musiques du monde. Héritier d'une riche lignée musicale qui lui a été transmise par son père Rabindranath Lahiri, puis par des maîtres renommés, il a accompagné plusieurs musiciens classiques indiens de premier plan.

5 et 6 novembre

La musique et le conte partagent une même origine : celle de la transmission orale. Depuis toujours, les conteur·euse·s du monde entier accompagnent leurs récits d'instruments pour créer des atmosphères, ponctuer les moments clés ou donner une identité sonore à leurs personnages. Cette formation propose d'explorer les multiples façons d'introduire la musique dans le conte : du simple bruitage à l'accompagnement mélodique, en passant par les percussions rythmiques. Les participants découvriront différents instruments accessibles (tambourins, kalimbas, bol tibétain, petites percussions, instruments à vent simples) et apprendront à les intégrer naturellement dans leur pratique narrative. 01 53 24 67 40 www.agedordefrance.fr Âge d'Or de France

Vendredi 23 octobre, 19h30

À l'occasion d'une soirée exceptionnelle consacrée à la compositrice tchèque Vítězslava Kaprálová (1915–1940), le Centre tchèque de Paris vous invite à vous plonger dans le destin de l'une des figures les plus fascinantes de la musique tchèque du XXe siècle. Ce ciné-concert sera consacré à la diffusion du documentaire "Kaprálová" réalisé par Petr Záruba ainsi qu'à une performance musicale des élèves du Conservatoire Jean-Philipe Rammeau. Organisée en partenariat avec le Conservatoire Jean-Philippe Rameau du 6ᵉ arrondissement de Paris, et avec la participation d'Alice Tabery, productrice du documentaire "Kaprálová", cette soirée met en dialogue musique et cinéma afin de produire un portrait inédit d'une artiste dont la carrière fulgurante fut interrompue à seulement vingt-cinq ans.

23 et 24 avril 2027

Un gardien de phare découvre le journal de bord d'une navigatrice solitaire. Après en avoir lu les dernières pages, aussi mystérieuses que désespérées, il décide de partir à la recherche de son navire en perdition. C'est pour lui le début d'un voyage extraordinaire qui le mènera dans des contrées insoupçonnées… Sur le grand écran d'un théâtre d’ombres, cette histoire prend la forme d’un conte orchestré par trois marionnettistes et trois musiciens. Les spectateurs sont embarqués à la découverte d’un univers fabuleux les invitant à ouvrir les portes de l'imaginaire.

Dimanche 4 octobre, 18h00

Par la rencontre des tablas et des flûtes doubles alghozas, le duo Yaadhava (« souviens-toi du vent ») rend hommage aux musiciens Langas et Manganiars du Rajasthan. Ce répertoire est le point de départ pour exprimer une musique envoutante et joyeuse, à la fois dynamique et contemplative. Une musique des bergers du Thar, un blues du désert porté par la puissance expressive des flûtes doubles et l’énergie hypnotique des tablas. Teepu Khan et Thomas Quinart explorent ce registre avec modernité dans une transe douce et pleine de vitalité. Teepu Khan (tablas) Originaire de Jaipur au Rajasthan, Teepu Khan est issu d’une prestigieuse lignée de musiciens, dont l’excellence se transmet dès le plus jeune âge: « mon arrière-grand-père était le maître de musique du Maharaja de Jaipur ». Maîtrisant le répertoire classique, soufi et traditionnel du nord de l’Inde et particulièrement l’art des tablas, Teepu s’est enrichi d’une expérience de la scène à l’international qu’il débute à l’âge de 15 ans. Il diffuse aujourd’hui sa culture par la fusion de son art avec d’autres styles (flamenco, rock, reggae et même l’opéra) lui offrant une belle collaboration avec Mathieu Chédid ou encore une invitation à jouer chez Mick Jagger! Thomas Quinart (flûtes alghozas et sataras) Musicien polyinstrumentiste, il se forme au conservatoire du Havre puis à l’école Jazz à Tours auprès de Jean Aussanaire, Pierrick Menuau ou Sébastien Boisseau. Il collabore avec le metteur en scène Johanny Bert sur plusieurs spectacles en tant que compositeur et interprète au plateau. Thomas Quinart participe à l’aventure Ez3kiel Extended en tournée, collabore avec Capsul Collectif notamment avec le groupe Air Brigitte. Il est membre de la Compagnie du Coin depuis 1999 avec qui il réalise de nombreuses tournées en France et à l’étranger. Il compose la musique de Sale Bête de la Cie Traversant 3.

Samedi 7 novembre, 22h30

*22h30* Le rendez-vous Jam Session Groove & Jazz du samedi soir avec le collectif La Gélule ! [La Gélule Jazz Collectif]( https://www.instagram.com/la\_gelule/ ) **« Because Music IS Medicine »** Pour La Gélule, la musique est un remède, un langage universel et un espace de rencontre. C'est autour de cette philosophie que le collectif s'est officiellement créé en 2022. Acteur culturel de la scène parisienne et toulousaine, il est également à l'initiative du ‘Jazz-Club’ et des jam sessions du festival Jazz In Marciac depuis 2017. ——— *Point de rencontre essentiel entre artistes émergents et confirmés, la jam session est un moment de partage où naissent les groupes de demain. Une émulsion artistique à vivre dans la salle ou sur scène !* *// Piano à queue, contrebasse & batterie sur place* PRÉVENTES LIMITÉES **& VENTE SUR PLACE** Musicien·nes — Entrée libre

Vendredi 16 octobre, 19h30

Cette formation à géométrie variable fait sonner des langues et des improvisateurs de haut vol pour un voyage singulier et inédit qui fait tomber les frontières. Le projet réunit également le batteur hongrois Attila Gyárfás, dont la participation est accompagnée par l’Institut Liszt. Voix : Natalia Kordiak (Pologne), Manu Domergue (France) Piano : Sandrine Marchetti(France) Contrebasse : Mateusz Szewczik (Pologne) Batterie : Attila Gyárfás (Hongrie) Le batteur hongrois, Attila Gyárfás, se produira également lors de concerts suivants: Samedi 17 octobre à 15h (Médiathèque de Montrouge) La chanteuse/improvisatrice, Natalia repousse les frontières de l’expression vocale, en créant un langage unique basé sur l’exploration musicale. Avec deux albums sous son nom et des collaborations internationales multiples, cette artiste parmi les plus innovantes de la musique vocale contemporaine polonaise jouera avec un groupe inédit aux trois nationalités. Voix : Natalia Kordiak (Pologne) Guitare : Hugo Corbin (France) Contrebasse : Mateusz Szewczyk (Pologne) Batterie : Attila Gyárfás (Hongrie) Samedi 17 octobre à 19h30 (Mairie de Montrouge) L’équipe du Voicingers Festival en France et la Mairie de Montrouge ouvre ses portes pour une soirée d’échange et de performances musicales internationales autour d’un verre. L’occasion de découvrir l’énergie du réseau Voicingers : un vivier d’artistes globe-trotters qui œuvrent pour travailler ensemble, avec la musique comme langage universel. Avec : Natalia Kordiak, Mateusz Szewczyk, Manu Domergue, Marion Ruault, Hugo Corbin, Attila Gyárfás, Grzegorz Masłowski, Doris Bula, Valentin Martel Mardi 20 octobre à 20h (Jazz Club Didier Lockwood, Evry) Trois artistes singuliers viennent à la rencontre des jeunes talents du CMDL et du public d’Evry : Natalia Kordiak, représentante de l’avant-garde du Jazz Vocal polonais, le polyvalent batteur Grzegorz Masłowski de la région de Cracovie, et Attila Gyárfás, magicien bruitiste venu tout droit de Hongrie. Les artistes viendront partager leurs répertoires respectifs par le biais de Voicingers un réseau d’artistes et de festivals itinérants qui s’étend sur une douzaine de pays d’Europe et d’Asie avec le jazz comme langue universelle. Voix : Natalia Kordiak Batterie : Grzegorz Masłowski Batterie/percussion : Attila Gyárfás Attila Gyárfás animera également des ateliers de pratique auprès de stagiaires du Festival Voicingers 2026. Programmation du festival: https://voicingers.com/fr/programme-2/ Les inscriptions sont ouvertes pour le stage: https://voicingers.com/fr/stage/

Vendredi 30 octobre, 22h30

*22h30* **JASS Session**, le rendez-vous Jam Jazz des vendredis soirs ! *Point de rencontre essentiel entre artistes émergents et confirmés, la jam session est un moment de partage où naissent les groupes de demain. Une émulsion artistique à vivre dans la salle ou sur scène !* *// Piano à queue, contrebasse & batterie sur place* PRÉVENTES LIMITÉES **& VENTE SUR PLACE** Musicien·nes — Entrée libre

Samedi 3 octobre, 20h30

« Dans le prolongement » est un concert né de la rencontre entre poésie contemporaine persane et musique iranienne. À travers des tasnifs et compositions inspirés d’œuvres majeures de la musique contemporaine iranienne, notamment celles de Parviz Meshkatian, Hossein Alizadeh et Hamid Motebassem, le spectacle dessine un espace sensible entre mémoire, poésie et musique. Sans chercher à reproduire fidèlement les formes traditionnelles, le concert ouvre un dialogue entre héritage musical et regard contemporain. Les poèmes, les silences, les improvisations et les textures sonores composent un paysage traversé par la mémoire, la résistance et la transformation. Une partie du programme est également consacrée à une musique régionale iranienne, en résonance avec les émotions et les réalités de l’Iran d’aujourd’hui, entre fragilité intime et souffle collectif. Porté par des musiciens issus de parcours artistiques variés, « Dans le prolongement » cherche moins à représenter une tradition figée qu’à faire entendre une voix vivante, en mouvement, entre transmission et création.